2011年夏から、「アニメでも実写でも映像化していない大阪編を」というプロデューサーの声掛けがきっかけでパイロット版の制作を開始しました。フルCG映画企画が本格始動したのは、奥先生の了承を得られた2012年春ごろです。先生とは３回くらいしかお会いしていないのですが、最初にご挨拶に行ったのがたぶん2年前の夏なのかな。「お願いします」と言って握手してくださったんです。緊張しましたが、ようやく先生にお会いでき、パイロット版を見て本当に喜んでくれているというのがその時の力強い握手から伝わってきて、とても嬉しかったですね。辛い時期もそれが心の支えになりました。

脚本開発には、最初はいろいろと苦労しました。主役の加藤はどちらかというと漫画では玄野の引き立て役で、善人すぎるじゃないですか。古臭いヒーローに見える不安があったので、少し考えました。漫画だと20巻分のいろんな歴史を背負っているからとてつもなく感動的で面白いんですけど、大阪編単体で映画化した場合、あんなに立派な好青年が活躍しても、お客さんは親近感を抱いてくれないんじゃないかと、まず心に引っ掛かりました。
そこで何度も原作を読み返し、加藤が恐がりだったり、戦い自体は好きじゃないというところを掘り下げればいけるかなと。妙に正義感が強いのも、どこか強迫観念みたいなものを持っているせいだと、裏設定として押さえておこうと考えました。ソーシャル・ジャスティス・ウォーリアー（SJW）といって、元はネット上で「差別などと戦う正義の主張をする人」ぐらいの意味合いだったのに、だんだん揶揄されるようになって、今では「社会正義を盾にして安全圏から他人を叩く人」という悪い意味で使われている言葉があるんです。加藤は「リスクを背負ってでも目の前の身近な人を助ける」という、ある意味SJWとは対極の存在だから、何となく今の社会のテーマになると、ある日思い立ちました。これだったら作品を深いところまで自分が意識してやれるなと。シンプルで力強いストーリーが魅力のエンタメ映画を目指しましたが、だからこそ、そういう根っこのテーマは自分の中でこっそり持っておこうと思ったんです。ようやくその時に「これはイケるかな」と思った記憶はあります。
監督に正式就任する前に脚本はほぼ完成していましたが、どうしても直したいところが数か所あったので就任直後に修正させてもらいました。その一つが玄野の「やるんだ、やるしかない」というセリフです。元々はなかったんですけど、玄野の意志と加藤の意志をこのセリフでつなげてしっかりとした構成の幹にしました。

『GANTZ』というとすぐエログロだと言う人がいます。たしかに表面的にはその通りかもしれませんが、僕はきっと先生はグロ自体を緊張感やリアリティーを演出するために描いてるのだと考えていました。漫画だと白黒で静止画なので、過剰にグロ表現をした方が緊張感や恐怖感が出るのだと思います。映画は当たり前ですが、色、音、動きがあるので、むやみにグロだぞ、イエーイみたいな感じはやめておこうと思いました。原作の画が醸し出している、高級で上品な感じやクールな雰囲気の映像作りの方に注力しました。ちなみにエロは普通にがんばりました。

ずっとアクションだらけじゃないですか。ただアクションを見せてもダメなので、加藤のビビりっぷりとかも織り交ぜて、段々レベルアップしていくべきだと考えました。加藤って心根はずっと変わらないブレれない男なんですよ。だけどそこにいわゆるゲーム的なレベルアップみたいなのを……『GANTZ』の世界はそういうところがあるのを踏まえて、銃の扱いがうまくなる、身のこなしが洗練される、ちょっと戦う勇気が出てきたとか。加藤がガンツのバトルになれてきた中盤で、ある出来事が起きて急激に物語の緊張感が増していく……というのが見えてきたんです。
アクションはカッコいいというよりは生っぽいというか、着地もドテッとコケるようなのを意識して。ネガティブなジャッキー・チェンというか…ドタバタしながら最後はボロボロになっちゃうじゃないですか。緊張感とリアリティーのあるアクション、それが『GANTZ』らしさだと思いました。
最初に考えたのは、銃って「すぐ撃ってやっつければいいのに」と思われがちなので、X-GUNの設定に射程距離や撃つ回数を盛り込ませてもらったんです。すぐ撃てなかったり、近づかないと撃てなかったりっていうので、もうちょい自然にやれるかなと。ＳＦなので設定さえちゃんと済ませればイケるだろうなと、最初から考えてました。

参考のために『ジョーズ』だったり『CUBE キューブ』だったり、いくつか映画を見返しましたが、特に『エイリアン２』はすごく構造が似ていて、非常に参考になるなと思いました。いろいろな要素が反転していて、リプリーはエイリアンを知っている女性なのに対し、加藤は敵を知らない男性だとか、大阪チームは残虐で欲望むき出しだけど、海兵隊は規律正しくて中には意外とイイやつもいるとか、リーダーが使えないとか。ぬらりひょんとエイリアンはしつこい最強の敵として中盤からずっと出っぱなしです。体が半分になっちゃうキャラがいたり、いろいろと相似形なところがあって参考になりました。 取材中の川村泰監督

CGは情報量が多く、しかも多様に情報量をコントロール出来てしまいます。当たり前ですが、モーションキャプチャーはリアルな動きをするので、カメラワークもリアルな実写風に撮ろうと思って、背景の質感もリアルにするので、造形も漫画より少しリアルにしないと情報が凸凹してしまうんですよね。よく「不気味の谷」とか言われますけど、どこかで違和感が出るので、そこはなるべく整えなければいけません。質感や動き、カメラワークなど、あらゆる要素の「情報量」や「デフォルメ加減、リアリティー」を横並びに統一する事を意識しました。
不気味の谷は何か違和感があるっていう説明だけじゃダメなんです。肌のキメが高精細にあるのに動きが硬いとか、逆に肌ツルツルなのに妙に生々しくリアルに動きまくるとか、そういう具体的な情報バランスだと思います。最近だとアンドロイドみたいなのが、顔はリアルに出来てるのにカクカク動くと超不気味じゃないですか。マツコロイドとかそうですよね。あれは不気味の谷を逆手に取って面白いというか。
でも恐ろしいことに、キャラクターなどは作っていると目が慣れてきてしまうんです。誰かに客観的に見てもらって指摘されて気づいたりとか、そういうプロセスがあります。実写に近づければいいっていうものでもないというのは意識してました。８頭身でディズニー、ピクサーとは違うもの、情報の取捨選択がキモになってくると思います。

僕は絵は描けないんですけどPhotoshopとかAfter Effectsを使って、こうしたい、ああしたいって指示します。キャラクター造形のダメ出しなんかも、アーティストがチェックに出してきたCGをPhotoshopで変形したり色つけたりして、レタッチして返す、そうすると、そのレタッチを反映したCGが再度チェックに上がってくる…アーティストとキャッチボールするような感じでやり取りします。時には写真を見せてこういう感じがいいとか言います。
アニメだと１カット１カット描いていくんで、作画崩れがあるんですけど、CGは良くも悪くも崩れないので、造形にちょっと妥協してうっかりOKを出してしまうと、ずっとその妥協したままのキャラモデルを何度も観るハメになる。だからこそ、粘着的にしつこくチェックせざるを得ないっていうか、そこはアニメと決定的に違うところです。フィギュアを作る感覚のほうが相当近いんですよね。

もうひとつのテーマは工数との闘いなんですよ。本作の予算は邦画では破格ですけど、やっぱりこれだけのボリュームを作るにはとてつもない工数がかかるので、絵コンテを描きながら、どれくらいのクオリティーで、どれくらいダメ出しして納得できるクオリティーにすべきかをイメージしておかないといけなんです。
それは自分の中で脳内映像を再生しながらやるものなので、脳内映像再生力がないと、たぶんCGディレクターは務まらないと思ってるんですけど、アニメよりも情報量が多いし、実写よりもゼロから作り上げる物が多いので、シミュレーションの精度の高さが求められます。

アニマティクスでカメラワークをVコンから2割くらい変えました。リアルな芝居に絵コンテどおりのカメラワークをつけると演出がくどかったりしたためです。単なるひらめきもありました。事前のものとあんまりにも変えちゃうと制作に怒られるんですけど、こっち(カット)でこれぐらいやるから、こっちは抑えるみたいなのを自分の中でちゃんとコントロールして、スタッフとも相談しながら制作していきました。
Vコンが完成して工数の精査もできたら、ようやくモーションキャプチャーの撮影に入ります。モーションキャプチャーのデータ撮影と同時に、撮影現場の芝居そのものをカメラ三台で撮影しました。その動画を編集して、データの使いどころを明確に指示しました。ＭＣエディットムービーと呼んでいるのですが、これで飛躍的に効率が上がります。

綿密に演出プランを立てて、後出しじゃんけん的なディレクションは絶対するまいといつも心がけていました。でもするんですけど（笑）。絶対しないっていうくらいで１割くらいはするんですけど、ダメ出せば出すほど工数が使われていって、結局クオリティーが下がるので、事前にこうしたいというディレクション動画を編集ソフトを使ってたくさん作りました。そういう動画を準備段階で大量に作ることで、監督が先に自分の中で試行錯誤してしまうんです。それでも当然アーティストにはレイアウトとかポーズとかやるべきことはたくさんあるので、それ以外の尺とか間とかはもう監督が先に決めちゃう。そうするとより工数が余ってよりクオリティーを保ち続けられる。そこがいちばん重要ですね。工数との戦いと脳内シミュレーションのフィードバック、このふたつがたぶんいちばん重要だなと思っていました。

高校生の加藤のモーションを演じた笠原さんは40歳なんですよ。本当に申し訳ないですが、そこが不安で二回くらいオーディションしました。でも、すごく『GANTZ』を愛していて、見た目も加藤が40歳だったらこんな感じっていうくらい、髪もオールバックでキメてきてくださったんですよ。芝居を何度も見させていただいて、やっぱりこの人しかいないなと。本当によかったと思います。やっぱり加藤に見えました。表情もキャプチャーするので、顔の造形が似ていたのも重要なポイントでした。
杏は桂さんという方なんですけど、彼女は最初レイカでオーディションにいらっしゃったんです。でも本人が「私、(杏の設定と同じように)子どもがいるんで杏もちょっとやらせてください」とおっしゃったので、あらためてオーディションしてみたらすごいハマって。このお二方は特に素晴らしいなと思いました。
アクションはいつもお願いしているアクション専門のユーデンフレームワークスさんにお願いし、アクション監督の園村健介さんと共同作業しました。アクションの部分は絵コンテで描ききれないですし、ここで銃を落として転んでみたいなアクションの構成を僕が書いたのを渡して、それを元に園村さんがアクションの殺陣をビデオで撮ってきてくださるんです。それを見て、モーションキャプチャーするっていう流れですね。
女体巨人の動きも150cmくらいの小柄な女性がアクションしています。エクソシストとカポエラを混ぜて、人外の動きをしてくれとオーダーしました。原作のなかでも異様かつ緊張感のある印象的なシーケンスなので、ここだけでも世に出す価値が絶対あると意気込みました、あんまりやりすぎても工数がかかりすぎるので、細心の注意と脳内シミュレーションで必死に考えました。

監督は10年くらい前からずっとやりたいなとこっそり勉強していました。でもCG業界出身で監督になれるのか不安もありました。映画制作の中の後半の作業はいつものCGディレクションのスケールがデカくなっただけと思えばいいんですけど、前半のVコンと脚本修正と工数精査の作業が精神的にも体力的にもピークでした。フルCG映画は設計図から具体的なCGへ橋渡しをする部分に確固たるノウハウがないんですよ。周りにやってる人がいないので。ここの作業期間が２カ月だったのが非常に辛かったです。辛かったけど、絶対に外しちゃいけないところだなと思いました。宮崎駿監督が脚本を書かないままコンテを描くという話は有名ですが、実際に似たような事をほんのちょっとだけやるはめになって。やってみてとんでもない苦行だと思いしらされました。
元CGディレクターならではの強みは、髪のシミュレーションがどれくらい手間がかかるかとか、こういうライティングだときっと苦労して時間かかるなあとか、かなりの精度で工数が想像できる事ですね。今後CGディレクターの経験がないとフルCG映画を監督するのは厳しいと思います。
フルCGでこういう作品はあまりにも前例が少なすぎて、とてつもなく不安だったんですけど、それを忘れるかのように無我夢中でレタッチ、ディレクション動画や指示書を作っていました。もうちょっと楽しめればよかったですが、やっぱり初監督作なのでそこまで余裕がなかったですね。